domingo, 30 de diciembre de 2012

Florencia Impresionista, Óleo, 2002

Para despedir el año un oleo de pequeño formato sobre tabla que realicé en el 2002 a continuación de otro de los cuadros que subí hace unos meses y con título atardecer impresionista. De estilo menos figurativo que otros suponía una forma de ver el resultado de utilizar un fondo totalmente blanco 'respira' por distintas partes del cuadro (habitualmente en esta época enfondaba con granates o rojos)


Representa una vista aérea de Florencia, una de mis ciudades favoritas, y que sin duda tiene 1001 rincones de los que sacar la inspiración suficiente para pintar. 

Y con este cuadro pongo punto final a mi contribución al blog durante este año 2012. Espero que os haya gustado y durante el 2013 seguiré alimentando este proyecto personal con las mismas ganas de siempre. ¡Qué tengáis una entrada en el 2013 con mucho arte!


Florencia Impresionista, Óleo, Carlos Martín, 2002

domingo, 2 de diciembre de 2012

Gauguin y el viaje a lo exótico, 2012


Gaugin y el viaje a lo exótico, Thyssem Bornemisza, Madrid


Fechas
Del 9 de octubre al 13 de enero de 2012.

¡Buenas tardes! hoy os voy a presentar la exposición de moda de la capital española: la exposición que nos habla de Gaugin y otra serie de genios que han pasado tiempo en islas exóticas del pacífico y cómo han retratado estos paisajes y personajes idílicos. Cómo viene siendo habitual, otra joya de exposición de la mano del museo Thyssem, que últimamente nos tiene mal acostumbrados con su oferta de geniales eventos artísticos.

Sinopsis: La exposición aborda tres cuestiones que van encadenándose e interrelacionandose. La primera y fundamental, es la figura de Paul Gauguín, cuya huida a Tahití, donde reconquisto el primitivismo por la vía del exotismo, funciona como hilo conductor de todo e recorrido. Sus pinturas icónicas, creadas a través del filtro de Polinesia, no solo se han convertido en las imágenes más seductoras del arte moderno sino que además ejercieron una influencia esencial en los movimientos artísticos de las primeras décadas del siglo XX, como el fauvismo francés y el expresionismo alemán. La segunda trata del viaje, el viaje cómo escape de la civilización, que servirá de impulso renovador a la vanguardia, y el viaje como salto atrás de los orígenes, a ese estado edénico, utópico y elemental que anhelaba el primitivismo. La tercera, y última, se refiere a la concepción moderna de lo exótico y sus vinculaciones con la etnografía.


Vida: Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

De sus pinturas de Martinica, opinó Van Gogh:
«¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el falo. Cuadros que al mismo tiempo que arte son pecados (...) Esta es la gran pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo».

Su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo por más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. Sus experimentos sobre el color y en general el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el fauvismo (movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908)


Crítica personal: esta es otra de las exposiciones que veía como un 'must', pues me interesaba mucho lo que podía ofrecernos Gauguin y demás contemporáneos a este, que han tenido tanto peso en la historia de la pintura. Y es que esta no es otra exposición monográfica si no que es aglutina obras de gran números de pintores como el propio Paul Gauguin, Henri Rosseau, Kirchner, Kandinsky, Paul Klee o Emil Nolde. 

Me sorprendió que no sólo cubría un estilo/época determinada si no que iba a lo largo de muchos tipos de estilos desde impresionismo, hasta casi abstracto pasando por el fauvismo o el expresionismo. No se puede decir si no que es una gran exposición, completa y de muchísima calidad. 

Por todo esto y aunque entiendo que la gente irá con altas expectativas a esta cita, se que no decepcionará y recomiendo sinceramente visitar la muestra, sobre todo si se está interesado en todo lo que gira en torno a la teoría del color (quizás este es el punto en común más reseñable de toda la exposición)

Selección: Por último os dejo una muestra de las obras que más me impactaron:

Parau Api, Paul Gauguin
Mata Mua, Paul Gauguin
Paisaje tropical con un gorila atacando a un indio, Henri Rosseau
El sueño, Franz Marc
Dos desnudos femeninos en un paisaje, Otto Müller
Noche de luna, Emil Nolde
Improvisación 6 (africano), Wassily Kandinsky

sábado, 24 de noviembre de 2012

Anochecer en La Mancha, Óleo


Después de un mes de inactividad por falta de Internet en casa vuelvo a publicar una entrada de otro de mis cuadros. Esta vez espero darle más continuidad durante las navidades.

''Anochecer en La Mancha'' es el título de este óleo del año 2001. Esta es otra de las piezas con especial significado para mí, ya que es uno de los pocos cuadros que habiendo ganado un premio o concurso, tengo en mi propiedad (normalmente cuando te dan un premio se quedan con el cuadro). Con este gane el primer premio del III Salón de Primavera de la Asociación Magenta, en el año 2001, lo que fue uno de los premios más relevantes hasta esa fecha. 

El tema lo saqué de una foto de una revista de viajes y se trata de un anochecer en un pueblo de Castilla La Mancha. En cuanto a la técnica cabe destacar el juego de claroscuros presentes en el primer plano y la predominancia del negro en el color. 

Espero que os guste: ¡buen fin de semana!


Anochecer en La Mancha, Carlos Martín, Óleo

jueves, 25 de octubre de 2012

Los fracasos huérfanos, John F Kennedy



Buenos días, hoy vamos a tener una de perogrullo. Todos realizamos una serie de acciones en nuestra vida: desde que nos levantamos, hasta que nos acostamos. Eso, es así. Y lo que también es cierto es que por mucho que nos esforcemos todos cometemos errores

Cierto es que la estadística nos ayuda a definir que hay gente que los comete más a menudo que otros, pero tendemos a pensar que ese 'más a menudo' se refiere 'al vecino' y no a nosotros. O directamente hay gente que siempre opta por escurrir el bulto:

- Total, si la hemos pifiado a lo grande, para que darle propaganda, ¿no? 

Pues bien esta actitud, que no tiene mucho de loable, es la que diferencia a los grandes personas de los que no lo son. Así, el no reconocer los errores ya implica un error intrínseco, y el reconocerlos bajo ciertas circunstancias tiene mucho mérito y conlleva poseer un carácter exigente con cierto ánimo de mejora.

Porque Señores: ¡equivocarse es de humanos! y el que teniendo boca no se equivoca, una de dos: o sólo hace cosas que ya sabe (con lo que poco o nada aprende) o es un poco mentirosillo. 

 Y aun así Kennedy tiene más razón que un santo... así nos luce el pelo.


''El éxito tiene muchos padres pero el fracaso es huérfano''
                    John F Kennedy

domingo, 30 de septiembre de 2012

Ocaso en Venecia, Acuarela


Hoy vuelvo a la carga con otra acuarela. ¿Adivináis de donde?... ¡Sí! ¡Cómo no! Otro trocito de Venecia para seguir con la racha. Con este ya son cuatro los cuadros que van formando poco a poco la  veneciana etapa de la que os hablaba en anteriores entradas. Siento que todavía queda alguna por llegar así que es punto y seguido :D.

Cómo en otras ocasiones estamos ante una lámina que ya no está en mi poder. Y es que ha sido el regalo de boda de una pareja amiga mía que ha contraído matrimonio el pasado fin de semana. María José y Jaime, ¡os deseo la mejor de las suertes! 

Respecto a las características de la obra estamos ante una lámina de unos 40x30 cms realizada sobre papel Arches de 360 gramos. El motivo principal es una panorámica de Venecia iluminada con los últimos rayos de sol del atardecer. La gama cromática se centra en los bronces y sienas, con una iluminación predominantemente anaranjada.

¡Espero que os guste!

Ocaso en Venecia, Carlos Martín, Acuarela

domingo, 23 de septiembre de 2012

El hombre miserable, Abraham Lincoln


Hoy más que nunca nos damos cuenta de lo que nos quitan. Cuando hay épocas difíciles, como indudablemente la es esta que estamos viviendo actualmente, vemos impotentes cómo se nos arrebatan los privilegios que ya dábamos por sentados. Es más, muchos de nosotros ni siquiera los hemos echado nunca de menos ya que bajo nuestra joven perspectiva los dramas estaban más cercanos a ''no me puedo comprar el último iPod'' que a ''no tengo trabajo'', ''me quedo sin mi casa'', etc, etc. 

Quizás estas adversidades que nuestro país y nuestra sociedad están sufriendo de forma tan aguda, sean necesarias para valorar lo que tenemos y aprender a relativizar sobre lo que de verdad es importante en esta vida. 

Porque si nos volvemos miserables al perder lo accesorio... ¿acaso no eramos ya miserables antes de la perdida?


''Es difícil hacer a un hombre miserable mientras sienta que es digno de sí mismo''
                        Abraham Lincoln


sábado, 8 de septiembre de 2012

Venecia invernal, Acuarela


¡Buenos Días! Llega Septiembre, se acerca el otoño y poco a poco se acaba el sol, pero... ¡no hay que alarmarse!: siempre nos quedará Madrid y sus innumerable exposiciones.

Bromas a parte hoy os dejo otra obra de la serie de acuarelas de Venecia que actualmente estoy realizando (Un rincón de Venecia y Primavera en Venecia). De tamaño un poco mayor a los últimos (51x40) esta realizado sobre papel Archés de 360 gramos. En este caso se trata de un cuadro donde contrastan los colores azulados predominantes (cobaltos y prusias) con los ocres anaranjados que se muestran en la zona central del cuadro. Se buscan los fuertes contrastes y tonos fríos propios de una escena invernal.

¡Buen fin de semana!


Invierno Veneciano, Acuarela, 2012

sábado, 18 de agosto de 2012

Primavera en Venecia, Acuarela


Llevaba casi un mes ya sin publicar nada, y es que he tenido mis vacaciones durante las últimas semanas. Sin embargo aunque he estado un poco desconectado del mundo blog, si que tuve unos días de trabajo artístico en los cuales realicé dos acuarelas. Cómo ya os comenté cuando subí el cuadro titulado Un rincón de Venecia, he comenzado una serie de diversos cuadros de Venecia que continuará en el futuro con alguna acuarela más. 

Respecto a las características de la obra estamos ante una lámina de 43x32 cms realizada sobre papel Arches de 360 gramos. Como se puede apreciar tiene un importante predominio de los sienas en el agua y la arquitectura, quedando entonado el cielo en cobaltos. Trabajos en húmedos en el fondo y primeros planos dejando el trabajo en seco para destacar algún detalle que aporte horizontalidad a la composición.

¡Espero que tengáis un buen fin de semana y nos vemos por aquí!

Primavera en Venecia, Acuarela, 2012

domingo, 22 de julio de 2012

Kirchner, Fundación Mapfre, 2012


Ernst Ludwig (1880-1938), Fundación Mapfre, Madrid


Fechas
Del 26 de mayo al 2 de septiembre de 2012.

¡Buenos días! Hoy me dirijo a vosotros para relataros una exposición impactante y completa como pocas, esta vez en la Fundación Mapfre de Madrid. Os presento la más completa información de la misma exposición que contiene desde la sinopsis de la misma, un resumen de su vida, mi personal crítica y una selección de las obras que más me impactaron. La buena noticia es que si no la habéis visitado aun estáis a tiempo pues termina el próximo 2 de Septiembre, la entrada gratuita y de momento no hay cola: ¡qué más se puede pedir!



Sinopsis: Fundación Mapfre ha organizado la primera exposición monográfica sobre Ernst Ludwig Kirchner en España. Para ello, ha contado con la colaboración especial del Kirchner Museum Davos además de otros 26 museo y colecciones privadas de gran prestigio internacional, como son entre otros, el Legado Ernst Kirchner, la Galerie Henze & Ketterer de Wichtrach-Berna, el MNAM Centre Georges Pompidou de París, la National Gallery de Washington D.C. y la Nationalgalerie de Berlín.


Vida: Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 - Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. 


Kirchner fue a estudiar arquitectura a Dresde en 1901. En 1903 marchó a Múnich a estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes. En 1905 fundó con otros dos estudiantes el grupo Die Brücke (El puente) que pretendía un estilo plano de colores inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Este grupo y Der Blaue Reiter formaron la segunda oleada expresionista.


Los rasgos más distintivos de este grupo son el color antinatural, subjetivo y chillón, en colores cálidos; las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violentan en escorzos imposibles, y contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera. Fueron estos artistas los que recuperaron la técnica de la xilografía, de origen medieval. Los temas son generalmente escabrosos en sintonía con la forma de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados...


Kirchner siguió en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. Se interesó por el mundo de la prostitución callejera; un ejemplo destacado (Prostituta en rojo) se halla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa.


A su vuelta de la guerra, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Optó por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, menos estimados por la crítica actual.


En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos (cerca de seiscientos). Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.


Crítica personal: He de reconocer que tenía mucha inquietud por visitar esta exposición, ya que Kirchner es un artista que me fascina desde que pude ver parte de su obra en Berlín. Sus obras son excepcionales desde el punto de vista de la capacidad de transmitir que tienen y no dejan indiferente a nadie.


Pues bien hace un par de semanas finalmente pude ver esta reunión de las mejores pinturas del autor alemán, y a modo de resumen diré que no me decepcionó para nada. Fue más extensa de lo que me esperaba, cubría la totalidad de sus etapas (desde los años tempranos y la creación de Brücke; hasta las abstracciones en Davos) y pude conocer muchos más detalles de un pintor del que no se posee demasiada obra dentro de las fronteras españolas.


Impactante toda la obra que desarrolla desde los años 1911 al 1917, donde se ve la influencia que probablemente tuvo en su salud la primera Guerra Mundial. Cuadros en colores ácidos y temáticas decadentes que transmiten una visión bastante negativa del ser humano. Pero igualmente interesantes sus épocas posteriores (época en los Alpes y posterior en Davos) donde rescata temáticas más costumbristas y demuestra una estampa más 'simpática'. Su última época cuasi abstracta me dejó sin palabras por el manejo puro del color y porque era una época que he de reconocer de la que no conocía demasiado y que sin duda vale la pena contemplar (aunque sólo fuera por una vez en la vida.


Selección: Os dejo algunas de las obras que más me llamaron la atención.

Adiestrando corceles, Ernst Kirchner, 1907
El juicio de París, Ernst Kirchner, 1912-1913
Autorretrato con muchacha; Ernst Kirchner, 1914-1915
Vida Alpina en Davos, Ernst Kirchner, 1917-1919

El Valle del Sertig en Otoño, Ernst Kirchner, 1925-1926
Desnudo en naranja y amarillo, Ernst Kirchner, 1929-1930

domingo, 1 de julio de 2012

Azuqueca de Henares, Óleo, 2002


Os dejo otro cuadro de otro concurso de pintura rápida. Este guarda similitud en ciertos aspectos con otros que he ido colgando (Palacio de cristal del parque de el Retiro o Guadalajara en rojos) cómo por ejemplo en que tiene un fondo granate brillante que respira por todo el cuadro e incluso sirve de elemento para construir planos por delimitación de los contiguos, con composiciones con más sombra que luz de forma intencionada y que sirven de líneas que te guían por el cuadro. Otro de mi colección particular.

Vuelve a tener un tamaño de 100x81 centímetros, que cómo he comentado alguna vez es el más utilizado en la mayoría de certámenes de pintura rápida. Está realizado en óleo y es una representación personal de la plaza principal de Azuqueca de Henares.

Azuqueca de Henares, Óleo, Carlos Martín, 2002

domingo, 24 de junio de 2012

Guadalajara en rojos, Técnica mixta, 2002


¡Hola de nuevo! Dejad que esta vez comparta con vosotros otro de los cuadros que realicé durante mi primera etapa. Es uno de los tantos que he realizado durante un concurso de puntura rápida, al igual que Palacio de Cristal de el Retiro. A decir verdad no me acuerdo exactamente de cual fue el lugar donde lo pinté... pero me suena todo que fue en Guadalajara (de ahí el nombre :D), y el tema, cómo suele ser habitual en estos certámenes es el paisaje urbano. Este también lo conservo en mi poder.

Tiene el tamaño más utilizado en los concursos de pintura rápida (100x81 centímetros). Está realizado en técnica mixta de acrílico y óleo. Pertenece a la época en la que entonaba con granate el fondo y dejaba a este respirar para crear una atmósfera vibrante.

¡Pasad un buen fin de semana y espero que os guste!

Guadalajara en rojos, Técnica mixta, Carlos Martín, 2002

sábado, 16 de junio de 2012

No os detengáis, Steve Jobs

Ceremonia de graduación de Standford, 2005. Steve Jobs sube al estrado para dirigirse a los estudiantes que allí estaban celebrando su gran día. Nadie imaginaba lo que estaba por venir: uno de los discursos más recordados y visionados de los últimos años. Para ninguno de los asistentes volvería ser igual. El resto es historia conocida para todos...


Os dejo el fragmento que más me impresionó... Stay foolish!

''El trabajo va a llenar gran parte de vuestra vida, y la única forma de estar realmente satisfecho es hacer lo que de verdad consideréis un trabajo genial. Y la única forma de tener un trabajo genial es amar lo que hagáis. Si aún lo habéis encontrado seguid buscando. No os detengáis.
Como en todo lo que tiene que ver con el corazón, lo sabréis cuando lo hayáis encontrado. Y como en todas las relaciones geniales, las cosas mejoran y mejoran según pasan los años. Así que seguid buscando hasta que lo encontréis.
                                                           No os detengáis. ''
Steve Jobs                                  
 

martes, 12 de junio de 2012

Un lunes cualquiera (la superación)

Buenas noches. Lo de buenas lo digo por educación, por deferencia hacia mis lectores y porque las formas no debemos perderlas nunca. Hoy me doy un homenaje y me voy a permitir el lujo de hablar poco de la pintura y acercaros a mi visión personal. Al fin y al cabo ese es uno de los placeres de tener un blog: te da la oportunidad de compartir un sentimiento más allá de tu círculo más cercano.

Punto de partida. No me andaré con rodeos: las cosas pintan regular y porque soy de naturaleza optimista... los temas personales podrían ir mejor, rescatan nuestro sistema financiero, el paro no hace si no subir y se acerca un verano lleno de incertidumbres. No entraré en detalles por dos motivos: no aburrir al blogero y no dar demasiados detalles propios de los que me pueda arrepentir. Sin embargo intuyo que queda claro. Es más, no me cabe la más mínima duda de que no soy el único que tiene este sentir en esta época de transición (y digo transición porque nadie quiere que esto dure indefinidamente).

Punto de inflexión. Hay una cualidad que siempre he admirado sobremanera en determinadas personas y es la capacidad para sobreponerse a la adversidad. No me llama tanto la atención que alguien sea infalible, que no falle nunca o que siempre esté en lo cierto. Primero porque las cosas no son siempre blancas o negras y que los aciertos para unos no son si no errores garrafales para otros. Segundo porque alguien que se jacta de no cometer nunca errores, ya está cometiendo al menos uno. Sin embargo hay gente (no muchos) que corre riesgos, se tropieza... y se levanta. Y por el camino aprende y además las lecciones más valiosas, esas que no te enseñan en la escuela (donde se premia exageradamente el miedo al fracaso). Por eso son genios: porque no tienen miedo a equivocarse, saben que es parte del proceso, la parte más importante si me apuras. Steve Jobs también se equivocaba... y por eso era tan grande.

Punto de partido. Pues bien hoy voy a ser ambicioso, me voy a mirar en los espejos más aspiracionales y voy a atreverme a equivocarme.Y lo más importante de todo: no quiero tener miedo si no espíritu de superación. Quiero ser como ellos, quiero equivocarme y quiero que el sufrimiento y la posibilidad de la derrota sirvan para sacar una versión mejorada de mi mismo. Sólo así podré afrontar los retos que debo y sentirme realizado con el resultado. 

Así pues: atrevámonos a errar y afrontar difíciles retos, ya que el triunfo no es el resultado si no el proceso en sí mismo.

Quizás pienses que no soy quien para decirte esto... pero soy el que te lo va a decir esta noche. Ahora sí, de corazón: Buenas Noches.

Carlos

sábado, 26 de mayo de 2012

Ocaso Gallego, Acuarela, 2002


¡Buenos días blogeros! Hace un par de días publiqué una entrada relativa a frases y hoy publico uno de mis cuadros. Cómo se suele decir: ¡qué siga la racha! Además este blog cierra el conjunto de cuadros que publicaré y que realicé en el curso con Requena: ocaso violetaatardecer en Cantabria y puente sobre la ría. Es una etapa donde me encontré especialmente inspirado y por eso me gusta recordarla a través de la galería fotográfica. Por fortuna este cuadro sí que lo poseo y aun no se ha vendido ;)

Cómo los demás de esta serie, tamaño medio. Importancia capital del cielo resuelto en húmedo, así como el horizonte que simula naturaleza verde, y una barca varada en un primer plano que ejerce de elemento de contraste con el rojo y naranja cadmio en contraposición con los cobaltos y los verdes. El papel: Arches de 360 gramos.

¡Pasad un buen fin de semana y espero que os guste!

Ocaso Gallego, Acuarela, Carlos Martín, 2002

jueves, 24 de mayo de 2012

La gloria de superar los obstáculos, Molière



¡Hola a todos! Primero de todo: ¡perdonadme por todo el tiempo que he estado sin subir ninguna entrada! La verdad que una serie de acontecimientos en mi vida cómo viajes y unos días sin internet en casa han hecho que me demore más de la cuenta en alimentar este proyecto mío llamado blog. 




Han pasado unas semanas pero el mundo sigue igual: estamos viviendo una situación complicada e incierta. Es por ello que hoy no quiero compartir una exposición ni cualquier frase trivial. Hoy me gustaría desempolvar una frase que habla de la motivación y de la recompensa. Ahora más que nunca es fundamental creer en que el esfuerzo de hoy será recompensado en un futuro, y por eso las posibles penurias actuales están justificadas en la posibilidad de la gloria futura.


E insisto y perdonad si me repito en exceso, pero muchas veces pensamos que estamos ante algo nuevo cuando la historia se repite de forma casi cómica. Y es por esto que hay definiciones que permanecen estáticas en la historia y verdades tan grandes cómo templos. Es el caso de esta frase del escritor francés Moliére que hace ya cuatro siglos, sabía que los grandes obstáculos vaticinan grandes recompensas y por eso decía:

''Cuanto más grande es el obstáculo, mayor la gloria de haberlo superado''
                                     Moliére


miércoles, 2 de mayo de 2012

Puente sobre la ría, Acuarela, 2002


Después de unos días de desconexión vuelvo a la carga con otra de las acuarelas que realicé durante el curso al que asistí en 2002 y que impartió el maestro Rafael Requena (ver también las obras anteriormente colgadas: ocaso violeta y atardecer en Cantabria). Al igual que Ocaso violeta ya no lo tengo en mi poder, pero sí localizado para cuando me entre la morriña :)

Este también es de tamaño medio, y al igual que el resto de cuadros de esta serie el cielo juega un papel fundamental en la acuarela (resuleto en húmedo). Sin embargo en este caso hay un trabajo más apreciable en las casas y puente del primer plano. La cromática es simple: azules plomizos y sienas tierra natural para el primer plano. El papel: Arches de 360 gramos.

¡Como siempre gracias por estar ahí y espero que os guste!

Puente sobre la ria, Acuarela, Carlos Martín, 2002

martes, 17 de abril de 2012

Francis Bacon, Museo del Prado, 2009


Francis Bacon (1909-1992), Museo del Prado, Madrid


Fechas
Del 3 de febrero al 19 de abril de 2009.



¡Buenas! Otro día más aquí me tenéis con vosotros esta vez para presentaros una exposición sorprendente, de las que por sus características y cronología no pasan mucho por el Prado. Aquí tenéis la fichas más completa de la exposición que durante el año 2009 recogió gran parte de las obras (nada más y nada menos que 78) de Francis Bacon. Sin duda alguna una exposición para vivir y disfrutar.



Sinopsis: El conjunto de 78 obras entre pinturas de Francis Bacon y objetos de su archivo que se exponen aquí, se agrupan siguiendo un orden, en parte cronológico, en varios apartados temáticos, que siguen conceptos derivados de los asuntos que trató en distintas etapas de su vida: Animal, Zona, Aprensión, Crucifixión, Crisis, Archivo, Retrato, Memorial, Épico y Final.


Siguiendo cada una de estas grandes divisiones el visitante se puede adentrar en el mundo particular de las obsesiones del artista. La contemplación de la pintura de Bacon exige la concentración máxima, el alejamiento de los prejuicios, el abrir los ojos y la mente a la belleza de su técnica y a su descarnada y veraz aproximación al ser humano, que le ha hecho un creador universal


VidaAunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés debido a sus raíces familiares inglesas y a que desarrolló buena parte de su producción en Londres. La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfina. Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales



A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros. Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas. En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, 1954), del Instituto de Arte de Chicago, y en la serie Perros que gruñen (Dogs), Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.
A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo. Sin embargo, para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró (en las entrevistas que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta) una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. 


El arte de Francis Bacon ha experimentado un extraordinario repunte de precios en el mercado de las subastas. Apreciado sólo por unos pocos conocedores y coleccionistas hasta que alcanzó una edad madura, Bacon vio cómo sus precios ascendían a principios de los años 90, pero no vivió lo suficiente para presenciar este fenómeno en todo su actual alcance.  Según las malas lenguas, varios de sus compañeros sexuales se aprovechaban de él económicamente, y también su galería habitual, Marlborough Fine Art, fue acusada de exprimirle por mero lucro, dosificando la llegada de sus obras al mercado para contener (o elevar) sus precios. Bacon suscribió en 1954 un contrato de exclusividad con Marlborough, que se mantuvo hasta su fallecimiento. Este acuerdo incluía no sólo la venta de sus obras, sino también los derechos de reproducción fotográfica de las mismas.



Crítica personal: A diferencia de otras exposiciones que he tenido el gusto de visitar en el museo del Prado, la de Francis Bacon fue más promovida por la curiosidad que por el conocimiento previo. Era uno de esos autores de los que no sabía demasiado y apenas había visto obras en el Tate de Londres u algún otro museo internacional.


Sin embargo he de reconocer que me impactó muchísimo. El ver toda su retrospectiva desde las primera épocas a las últimas sin duda me hizo comprender mejor y en profundidad la trayectoria del artista y el 'por qué' de sus obras. Es una exposición que te genera una serie de sentimientos en el transcurso de las distintas etapas de su vida. Francis es un artista que sabe como transmitir los sentimientos de violencia y desasosiego como nadie, estamos ante una pintura que a nadie deja indiferente. Sin duda cuando ves las etapas de la vida del artista comprendes que parte de esa vida desordenada y traumática es la que le hace transmitir estos conceptos con semejante sinceridad, pues de hecho el sabía de primera mano lo que ello significaba.


La exposición me sorprendió por tratarse de un artista que apenas había fallecido hace unos pocos años (1992 en Madrid) de las cuales no se pueden ver demasiadas en el Prado. Pero creo que hay que estar de acuerdo en que esta vez la ocasión lo merecía. El resumen podría ser: inolvidable y única muestra de un genio del cual no tenemos demasiada representación en España (a pesar de que si que vivió y murió aquí).  


Selección: Es difícil elegir pero aquí os dejo mis obras favoritas:
Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión, Francis Bacon 1944
Cabeza VI, Francis Bacon, 1949
Estudio del Papa Inocencio X de Velazquez, 1953
Tres estudios para una crucifixión, Francis Bacon, 1962

Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho, Francis Bacon, 1967
Tríptico, Francis Bacon, 1972
Retrato de John Edwards, Francis Bacon, 1988

Tríptico, Francis Bacon, 1991

domingo, 15 de abril de 2012

Ocaso Violeta, Acuarela, 2002


La entrada de hoy va dedicada a una de las acuarelas que más aprecio. Esta como algunas de las anteriores también pertenece a una colección particular. Es de la época en la que estuve haciendo el curso intensivo con el difunto maestro Rafael Requena allá por el año 2002. Este es el segundo cuadro de este periodo ya que el primero que colgué fue el de Atardecer en Cantabría que posee un buen amigo mío. 

De tamaño medio (unos 60x45cms) Es una acuarela fresca, resuelta al primer toque (cosa que siempre se pretende en el trabajo en húmedo pero no siempre se consigue), con un fondo pálido, un cielo en violeta cobalto y verdes para los planos intermedios de los árboles. Resolución de primeros planos con trabajo en seco, donde se puede apreciar la rugosidad del papel (Arches de 360 gramos)

Os dejaré más de esta época. ¡Feliz Domingo!

Ocaso Violeta, Acuarela, Carlos Martín, 2002

domingo, 8 de abril de 2012

Los límites de una obra, Antonio López


Aprovechando la última entrada que ha tenido el blog referente a la exposición de Antonio López en el museo Thyssen-Bornemisza (exposición), os dejo aquí la frase más famosa del maestro del hiperrealismo.


El que ha pintado, compuesto o creado en cualquiera de sus posibilidades sabe que es una de las cosas más complicadas en el arte es saber cuando una obra está acabada. Es natural, cuando estás metido en la dinámica de pintar, que tengas tentaciones de de seguir añadiendo elementos, matices, pinceladas... hasta que en muchas ocasiones te das cuenta de que esta última aportación no suma si no que resta. En el caso de un hiperrealista es más difícil si cabe saber donde está el límite y por eso Antonio López opina que la obra está acabada cuando as llegado al límite de lo que puedes aportar

'' Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades'' 
                                     Antonio López


domingo, 1 de abril de 2012

Antonio López, Thyssen-Bornemisza, Madrid


Antonio López (1936), Thyssen-Bornemisza, Madrid


Fechas
Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011.



¡Buenos días! Hoy en un Domingo en el que muchos están de vacaciones, se me ha ocurrido que era buena idea presentar otra exposición de peso en la que también se ve Madrid vacío: Antonio López en el Thyssen-BornemiszaEsta cubre toda la trayectoria del que probablemente sea el pintor español hiperrealista más importante de la historia. Esta, como la de Sorolla, era la exposición que todo el mundo quería ver. Para los que estuvisteis os permito revivirla y para los que no pudisteis ir os acompaño por la misma :)



Sinopsis: La última retrospectiva de la obra de Antonio López tuvo lugar en 1993. En las dos décadas transcurridas desde entonces, el artista ha seguido evolucionando y ha producido algunas de sus mejores obras maestras. El propósito de esta exposición es mostrar al público esa producción reciente y a partir de ella reinterpretar la carrera anterior del artista. La primera parte de la exposición explora los grandes temas de la creación de Antonio López en las últimas décadas, señalando a la vez la continuidad y el contraste con la etapa anterior a 1990. Esos temas se reducen esencialmente a tres: la ciudad, el árbol y la figura humana, en correspondencia con tres medios artísticos fundamentales: la pintura, el dibujo y la escultura. La segunda parte de la exposición viene a ser una mirada retrospectiva hacia la carrera de Antonio López, presentando su evolución desde sus orígenes hasta su primera madurez. El acento descansa en la figura humana, que en otro tiempo dominó la pintura de nuestro artista.


VidaNacido en 1936 es el mayor de cuatro hermanos y sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.
Desde 1985 y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.
En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando. En ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica.
En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le hizo una exposición monográfica. También, su obra Madrid desde Torres Blancas, alcanzó en subasta de Christie's de Londres los 1918000 €, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo


Crítica personal: Desde muy pequeño Antonio López me ha fascinado. Ya en el primer taller de pintura donde hacía mis primeros ensayos, recuerdo que mi profesor poseía un espectacular libro que recogía toda la obra del autor. Y recuerdo que lo cogí prestado varias veces: ¡no me podía creer que un pintor pudiese llegar a ese nivel de detalle y con ese resultado! Cuando escuche por primera vez que el Thyssem iba a recoger una muestra retrospectiva del maestro se me hizo la boca agua. Como casi siempre acabe visitando la exposición in-extremis, con muchísima gente y martes a las 9 de la noche. Pero valió la pena!


De Antonio López me fascina su evolución desde la pintura metafísica, sus hiperrealistas dibujos a lápiz (escenas de un realismo enfermizo), su visión de Madrid como una ciudad positiva que siempre amanece y por supuesto su dominio absoluto del paisaje urbano. Un maestro con mayúsculas, un hombre metódico que llega hasta el límite y que a pesar del amplio reconocimiento en vivo, siempre ha conservado la humildad.


De la exposición tengo que decir que no decepciono. Muchas han sido las ocasiones en las que las altas expectativas me han dejado un regusto agridulce al comprobar que la muestra en sí no me llenaba tanto como podía esperar... pero este no fue el caso. Grandes formatos, tonos pastel, cuadros que nunca se acaban (es característico del Antonio López el empezar mucha obra que va terminando con los años de manera que siempre tiene multitud de obras empezadas simultáneamente) y sobre todo la tensión que tienes al analizar sus cuadros y darte cuenta el nivel de su obsesión con el detalle y las proporciones. El resultado espectacular, no sólo no decepciona si no que engancha. 


Selección: Es difícil elegir pero aquí os dejo mis obras favoritas:


Membrillero, Antonio López, 1961
Taza de vater y ventana, Antonio López, 1968-1971
La cena, Antonio López, 1971-1980
Gran Vía, Antonio López, 1974-1981
Madrid desde Torres Blancas, Antonio López, 1974-1982
Terraza de Lucio, Antonio López, 1962-1990
El Campo del Moro, Antonio López, 1990-1994

miércoles, 28 de marzo de 2012

La búsqueda de la sabiduría, Napoleón Bonaparte


¿Qué es la sabiduría? Algunos dirán que es fácil, que es un estado de conocimiento avanzado sobre una materia determinada. Muy bien, tomemos esto por cierto. Pero, ¿cuando estamos ante un estado de conocimiento avanzado? La realidad es que sobre cualquier tema o área se puede saber más y más. 


Siempre hay margen para aprender, y posiblemente esta sea la verdadera diferencia entre los sabios y los demás. Puede entonces que lo verdaderamente definitorio sea el afán por andar en una continua búsqueda de la sabiduría y no el hecho de haber llegado a un nivel de inteligencia determinado. Es por ello que cuanto más sabe uno de un tema, más consciente es de todo lo que le queda por aprender. Y entonces te percatas que la clave aquí es no perder nunca el hambre de saber.

'' Los sabios buscan la sabiduría, los necios creen haberla encontrado'' 
                            Napoleon Bonaparte 

domingo, 25 de marzo de 2012

Santorini Mágico, Acuarela, 2000

¿Cómo va el fin de semana? Hoy tengo algo especial que deciros: ¡es mi cumpleaños! Me caen 27 años que no son pocos. Esto es algo anecdotico a nivel de blog pero es mi primer cumpleaños desde que empece con esto y me apetecía compartirlo con vosotros :)

En esta entrada os dejo esta acuarela, pero a diferencia de la última que subí es del año 2000... o lo que es lo mismo de hace 12 años! (¡me impresiona un poco mirar al pasado y ver todo lo que ha llovido!). La temática salta a la vista: un paraje típico de las islas griegas y en este caso de Santorini. A decir verdad nunca he estado allí, pero me encantaría ir y volver con muchas fotografías para luego poder pintar alguna acuarela. El hecho de que sea un paisaje muy luminoso y lleno de blancos da mucho juego en esta técnica.

La peculiaridad de este cuadro viene de la mano del papel que se utilizó que es diferente al que manejo normalmente. El gramaje de esta lámina no supera los 180 gramos cuando lo que es habitual en mi caso es que pinte sobre 300 gramos. La consecuencia de esto se ve en dos detalles: por un lado es muy recomendable que el papel sea liso y fino ya que es más fácil pintar líneas rectas y fluidas aunque por otra parte el papel se satura antes y es más complicado trabajar en húmedo (cosa que me encata). Sobre los tonos utilizados: mucho azul cobalto, algún ocre... ¡y por supuesto el blanco del papel! Por último señalar que es un formato medio/pequeño y que pertenece a mi colección particular.

¡Pues nada aquí dejo el cuadro y gracias por seguirme!

Santorini Mágico, Acuarela, Carlos Martin, 2000