Gauguin y el viaje a lo exótico, 2012

Gaugin y el viaje a lo exótico, Thyssem Bornemisza, Madrid

Fechas

Del 9 de octubre al 13 de enero de 2012.

¡Buenas tardes! hoy os voy a presentar la exposición de moda de la capital española: la exposición que nos habla de Gaugin y otra serie de genios que han pasado tiempo en islas exóticas del pacífico y cómo han retratado estos paisajes y personajes idílicos. Cómo viene siendo habitual, otra joya de exposición de la mano del museo Thyssem, que últimamente nos tiene mal acostumbrados con su oferta de geniales eventos artísticos.

Sinopsis: La exposición aborda tres cuestiones que van encadenándose e interrelacionandose. La primera y fundamental, es la figura de Paul Gauguín, cuya huida a Tahití, donde reconquisto el primitivismo por la vía del exotismo, funciona como hilo conductor de todo e recorrido. Sus pinturas icónicas, creadas a través del filtro de Polinesia, no solo se han convertido en las imágenes más seductoras del arte moderno sino que además ejercieron una influencia esencial en los movimientos artísticos de las primeras décadas del siglo XX, como el fauvismo francés y el expresionismo alemán. La segunda trata del viaje, el viaje cómo escape de la civilización, que servirá de impulso renovador a la vanguardia, y el viaje como salto atrás de los orígenes, a ese estado edénico, utópico y elemental que anhelaba el primitivismo. La tercera, y última, se refiere a la concepción moderna de lo exótico y sus vinculaciones con la etnografía.


Vida: Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, desarrolló la parte más distintiva de su producción en el Caribe (Martinica) y en Oceanía (Polinesia Francesa), volcándose mayormente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

De sus pinturas de Martinica, opinó Van Gogh:
«¡Formidables! No fueron pintadas con el pincel, sino con el falo. Cuadros que al mismo tiempo que arte son pecados (...) Esta es la gran pintura que sale de las entrañas, de la sangre, como el esperma sale del sexo».

Su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del siglo XIX y mantuvo su influjo por más tiempo que los impresionistas, contribuyendo decisivamente al arte moderno del siglo XX. Sus experimentos sobre el color y en general el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, tanto en Picasso como en el expresionismo alemán, y tuvieron especial impacto sobre el fauvismo (movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908)


Crítica personal: esta es otra de las exposiciones que veía como un 'must', pues me interesaba mucho lo que podía ofrecernos Gauguin y demás contemporáneos a este, que han tenido tanto peso en la historia de la pintura. Y es que esta no es otra exposición monográfica si no que es aglutina obras de gran números de pintores como el propio Paul Gauguin, Henri Rosseau, Kirchner, Kandinsky, Paul Klee o Emil Nolde. 

Me sorprendió que no sólo cubría un estilo/época determinada si no que iba a lo largo de muchos tipos de estilos desde impresionismo, hasta casi abstracto pasando por el fauvismo o el expresionismo. No se puede decir si no que es una gran exposición, completa y de muchísima calidad. 

Por todo esto y aunque entiendo que la gente irá con altas expectativas a esta cita, se que no decepcionará y recomiendo sinceramente visitar la muestra, sobre todo si se está interesado en todo lo que gira en torno a la teoría del color (quizás este es el punto en común más reseñable de toda la exposición)

Selección: Por último os dejo una muestra de las obras que más me impactaron:

Parau Api, Paul Gauguin

Mata Mua, Paul Gauguin

Paisaje tropical con un gorila atacando a un indio, Henri Rosseau

El sueño, Franz Marc

Dos desnudos femeninos en un paisaje, Otto Müller

Noche de luna, Emil Nolde

Improvisación 6 (africano), Wassily Kandinsky

Kirchner, Fundación Mapfre, 2012

Ernst Ludwig (1880-1938), Fundación Mapfre, Madrid

Fechas

Del 26 de mayo al 2 de septiembre de 2012.

¡Buenos días! Hoy me dirijo a vosotros para relataros una exposición impactante y completa como pocas, esta vez en la Fundación Mapfre de Madrid. Os presento la más completa información de la misma exposición que contiene desde la sinopsis de la misma, un resumen de su vida, mi personal crítica y una selección de las obras que más me impactaron. La buena noticia es que si no la habéis visitado aun estáis a tiempo pues termina el próximo 2 de Septiembre, la entrada gratuita y de momento no hay cola: ¡qué más se puede pedir!



Sinopsis: Fundación Mapfre ha organizado la primera exposición monográfica sobre Ernst Ludwig Kirchner en España. Para ello, ha contado con la colaboración especial del Kirchner Museum Davos además de otros 26 museo y colecciones privadas de gran prestigio internacional, como son entre otros, el Legado Ernst Kirchner, la Galerie Henze & Ketterer de Wichtrach-Berna, el MNAM Centre Georges Pompidou de París, la National Gallery de Washington D.C. y la Nationalgalerie de Berlín.


Vida: Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 - Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. 


Kirchner fue a estudiar arquitectura a Dresde en 1901. En 1903 marchó a Múnich a estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes. En 1905 fundó con otros dos estudiantes el grupo Die Brücke (El puente) que pretendía un estilo plano de colores inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Este grupo y Der Blaue Reiter formaron la segunda oleada expresionista.


Los rasgos más distintivos de este grupo son el color antinatural, subjetivo y chillón, en colores cálidos; las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violentan en escorzos imposibles, y contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera. Fueron estos artistas los que recuperaron la técnica de la xilografía, de origen medieval. Los temas son generalmente escabrosos en sintonía con la forma de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados...


Kirchner siguió en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. Se interesó por el mundo de la prostitución callejera; un ejemplo destacado (Prostituta en rojo) se halla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa.


A su vuelta de la guerra, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Optó por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, menos estimados por la crítica actual.


En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos (cerca de seiscientos). Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.


Crítica personal: He de reconocer que tenía mucha inquietud por visitar esta exposición, ya que Kirchner es un artista que me fascina desde que pude ver parte de su obra en Berlín. Sus obras son excepcionales desde el punto de vista de la capacidad de transmitir que tienen y no dejan indiferente a nadie.


Pues bien hace un par de semanas finalmente pude ver esta reunión de las mejores pinturas del autor alemán, y a modo de resumen diré que no me decepcionó para nada. Fue más extensa de lo que me esperaba, cubría la totalidad de sus etapas (desde los años tempranos y la creación de Brücke; hasta las abstracciones en Davos) y pude conocer muchos más detalles de un pintor del que no se posee demasiada obra dentro de las fronteras españolas.


Impactante toda la obra que desarrolla desde los años 1911 al 1917, donde se ve la influencia que probablemente tuvo en su salud la primera Guerra Mundial. Cuadros en colores ácidos y temáticas decadentes que transmiten una visión bastante negativa del ser humano. Pero igualmente interesantes sus épocas posteriores (época en los Alpes y posterior en Davos) donde rescata temáticas más costumbristas y demuestra una estampa más 'simpática'. Su última época cuasi abstracta me dejó sin palabras por el manejo puro del color y porque era una época que he de reconocer de la que no conocía demasiado y que sin duda vale la pena contemplar (aunque sólo fuera por una vez en la vida.


Selección: Os dejo algunas de las obras que más me llamaron la atención.

Adiestrando corceles, Ernst Kirchner, 1907

El juicio de París, Ernst Kirchner, 1912-1913

Autorretrato con muchacha; Ernst Kirchner, 1914-1915

Vida Alpina en Davos, Ernst Kirchner, 1917-1919

El Valle del Sertig en Otoño, Ernst Kirchner, 1925-1926

Desnudo en naranja y amarillo, Ernst Kirchner, 1929-1930

Francis Bacon, Museo del Prado, 2009

Francis Bacon (1909-1992), Museo del Prado, Madrid

Fechas

Del 3 de febrero al 19 de abril de 2009.

¡Buenas! Otro día más aquí me tenéis con vosotros esta vez para presentaros una exposición sorprendente, de las que por sus características y cronología no pasan mucho por el Prado. Aquí tenéis la fichas más completa de la exposición que durante el año 2009 recogió gran parte de las obras (nada más y nada menos que 78) de Francis Bacon. Sin duda alguna una exposición para vivir y disfrutar.



Sinopsis: El conjunto de 78 obras entre pinturas de Francis Bacon y objetos de su archivo que se exponen aquí, se agrupan siguiendo un orden, en parte cronológico, en varios apartados temáticos, que siguen conceptos derivados de los asuntos que trató en distintas etapas de su vida: Animal, Zona, Aprensión, Crucifixión, Crisis, Archivo, Retrato, Memorial, Épico y Final.


Siguiendo cada una de estas grandes divisiones el visitante se puede adentrar en el mundo particular de las obsesiones del artista. La contemplación de la pintura de Bacon exige la concentración máxima, el alejamiento de los prejuicios, el abrir los ojos y la mente a la belleza de su técnica y a su descarnada y veraz aproximación al ser humano, que le ha hecho un creador universal


Vida: Aunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés debido a sus raíces familiares inglesas y a que desarrolló buena parte de su producción en Londres. La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfina. Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales



A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros. Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas. En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca (Head Surrounded by Sides of Beef, 1954), del Instituto de Arte de Chicago, y en la serie Perros que gruñen (Dogs), Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.
A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo. Sin embargo, para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico. Simplemente prosiguió lo que él consideró (en las entrevistas que le hizo David Sylvester a lo largo de los años sesenta) una línea pictórica postpicasiana, siguiendo la vía abierta que Picasso dejó con la figuración y la representación obsesiva del cuerpo humano. 


El arte de Francis Bacon ha experimentado un extraordinario repunte de precios en el mercado de las subastas. Apreciado sólo por unos pocos conocedores y coleccionistas hasta que alcanzó una edad madura, Bacon vio cómo sus precios ascendían a principios de los años 90, pero no vivió lo suficiente para presenciar este fenómeno en todo su actual alcance.  Según las malas lenguas, varios de sus compañeros sexuales se aprovechaban de él económicamente, y también su galería habitual, Marlborough Fine Art, fue acusada de exprimirle por mero lucro, dosificando la llegada de sus obras al mercado para contener (o elevar) sus precios. Bacon suscribió en 1954 un contrato de exclusividad con Marlborough, que se mantuvo hasta su fallecimiento. Este acuerdo incluía no sólo la venta de sus obras, sino también los derechos de reproducción fotográfica de las mismas.



Crítica personal: A diferencia de otras exposiciones que he tenido el gusto de visitar en el museo del Prado, la de Francis Bacon fue más promovida por la curiosidad que por el conocimiento previo. Era uno de esos autores de los que no sabía demasiado y apenas había visto obras en el Tate de Londres u algún otro museo internacional.


Sin embargo he de reconocer que me impactó muchísimo. El ver toda su retrospectiva desde las primera épocas a las últimas sin duda me hizo comprender mejor y en profundidad la trayectoria del artista y el 'por qué' de sus obras. Es una exposición que te genera una serie de sentimientos en el transcurso de las distintas etapas de su vida. Francis es un artista que sabe como transmitir los sentimientos de violencia y desasosiego como nadie, estamos ante una pintura que a nadie deja indiferente. Sin duda cuando ves las etapas de la vida del artista comprendes que parte de esa vida desordenada y traumática es la que le hace transmitir estos conceptos con semejante sinceridad, pues de hecho el sabía de primera mano lo que ello significaba.


La exposición me sorprendió por tratarse de un artista que apenas había fallecido hace unos pocos años (1992 en Madrid) de las cuales no se pueden ver demasiadas en el Prado. Pero creo que hay que estar de acuerdo en que esta vez la ocasión lo merecía. El resumen podría ser: inolvidable y única muestra de un genio del cual no tenemos demasiada representación en España (a pesar de que si que vivió y murió aquí).  


Selección: Es difícil elegir pero aquí os dejo mis obras favoritas:

Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión, Francis Bacon 1944

Cabeza VI, Francis Bacon, 1949

Estudio del Papa Inocencio X de Velazquez, 1953

Tres estudios para una crucifixión, Francis Bacon, 1962

Retrato de Isabel Rawsthrone de pie en una calle de Soho, Francis Bacon, 1967

Tríptico, Francis Bacon, 1972

Retrato de John Edwards, Francis Bacon, 1988

Tríptico, Francis Bacon, 1991

Antonio López, Thyssen-Bornemisza, Madrid

Antonio López (1936), Thyssen-Bornemisza, Madrid

Fechas

Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011.

¡Buenos días! Hoy en un Domingo en el que muchos están de vacaciones, se me ha ocurrido que era buena idea presentar otra exposición de peso en la que también se ve Madrid vacío: Antonio López en el Thyssen-Bornemisza. Esta cubre toda la trayectoria del que probablemente sea el pintor español hiperrealista más importante de la historia. Esta, como la de Sorolla, era la exposición que todo el mundo quería ver. Para los que estuvisteis os permito revivirla y para los que no pudisteis ir os acompaño por la misma :)



Sinopsis: La última retrospectiva de la obra de Antonio López tuvo lugar en 1993. En las dos décadas transcurridas desde entonces, el artista ha seguido evolucionando y ha producido algunas de sus mejores obras maestras. El propósito de esta exposición es mostrar al público esa producción reciente y a partir de ella reinterpretar la carrera anterior del artista. La primera parte de la exposición explora los grandes temas de la creación de Antonio López en las últimas décadas, señalando a la vez la continuidad y el contraste con la etapa anterior a 1990. Esos temas se reducen esencialmente a tres: la ciudad, el árbol y la figura humana, en correspondencia con tres medios artísticos fundamentales: la pintura, el dibujo y la escultura. La segunda parte de la exposición viene a ser una mirada retrospectiva hacia la carrera de Antonio López, presentando su evolución desde sus orígenes hasta su primera madurez. El acento descansa en la figura humana, que en otro tiempo dominó la pintura de nuestro artista.


Vida: Nacido en 1936 es el mayor de cuatro hermanos y sus padres eran labradores acomodados del importante núcleo manchego que era Tomelloso. Su temprana vocación por el dibujo, así como la influencia de su tío, el pintor Antonio López Torres, conformaron su decisión de dedicarse a la pintura. En 1949 se trasladó a Madrid para preparar su ingreso en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, coincidiendo allí con diversos artistas, como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña.
En 1955, y gracias a una beca, viajó a Italia, donde conoció de primera mano la pintura italiana del Renacimiento. Sufrió así una pequeña decepción al contemplar en vivo las obras maestras que sólo conocía por reproducciones, y que hasta ese momento veneraba. Comenzó a revalorizar la pintura clásica española, que tan bien conocía, gracias a las frecuentes visitas al Museo del Prado, especialmente Velázquez.
Desde 1985 y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de preparatorio de colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
En 1985 se le concedió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.
En enero de 1993 fue nombrado miembro de número de la madrileña Real Academia de San Fernando. En ese mismo año, el Museo Reina Sofía le dedicó una exposición antológica.
En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le hizo una exposición monográfica. También, su obra Madrid desde Torres Blancas, alcanzó en subasta de Christie's de Londres los 1918000 €, la mayor cantidad pagada hasta ese momento por una obra de un artista español vivo


Crítica personal: Desde muy pequeño Antonio López me ha fascinado. Ya en el primer taller de pintura donde hacía mis primeros ensayos, recuerdo que mi profesor poseía un espectacular libro que recogía toda la obra del autor. Y recuerdo que lo cogí prestado varias veces: ¡no me podía creer que un pintor pudiese llegar a ese nivel de detalle y con ese resultado! Cuando escuche por primera vez que el Thyssem iba a recoger una muestra retrospectiva del maestro se me hizo la boca agua. Como casi siempre acabe visitando la exposición in-extremis, con muchísima gente y martes a las 9 de la noche. Pero valió la pena!


De Antonio López me fascina su evolución desde la pintura metafísica, sus hiperrealistas dibujos a lápiz (escenas de un realismo enfermizo), su visión de Madrid como una ciudad positiva que siempre amanece y por supuesto su dominio absoluto del paisaje urbano. Un maestro con mayúsculas, un hombre metódico que llega hasta el límite y que a pesar del amplio reconocimiento en vivo, siempre ha conservado la humildad.


De la exposición tengo que decir que no decepciono. Muchas han sido las ocasiones en las que las altas expectativas me han dejado un regusto agridulce al comprobar que la muestra en sí no me llenaba tanto como podía esperar... pero este no fue el caso. Grandes formatos, tonos pastel, cuadros que nunca se acaban (es característico del Antonio López el empezar mucha obra que va terminando con los años de manera que siempre tiene multitud de obras empezadas simultáneamente) y sobre todo la tensión que tienes al analizar sus cuadros y darte cuenta el nivel de su obsesión con el detalle y las proporciones. El resultado espectacular, no sólo no decepciona si no que engancha. 


Selección: Es difícil elegir pero aquí os dejo mis obras favoritas:

Membrillero, Antonio López, 1961

Taza de vater y ventana, Antonio López, 1968-1971

La cena, Antonio López, 1971-1980

Gran Vía, Antonio López, 1974-1981

Madrid desde Torres Blancas, Antonio López, 1974-1982

Terraza de Lucio, Antonio López, 1962-1990

El Campo del Moro, Antonio López, 1990-1994

Joaquín Sorolla, Museo del Prado, Madrid

Joaquín Sorolla (1863-1923), Museo del Prado, Madrid

Fechas

Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2009.

Prorrogada hasta el 13 de septiembre

Hola a todos! Este miércoles vuelvo a la carga con otra exposición del Museo del Prado. Estamos hablando de la exposición que batió el record de visitas a una exposición temporal, superando incluso a la que ese mismo año había establecido un nuevo record: la de Francis Bacon (de esta exposición a la que también asistí hablaré más adelante en el blog). Y es que Sorolla es el típico artista que conmueve a profanos y entendidos por igual y más cuando hablamos de la exposición monográfica del autor más importante de la historia. Hoy, con todos ustedes, Joaquín Sorolla.



Sinopsis: Joaquín Sorolla (1863-1923) es la primera gran exposición antológica que el Prado dedica a este gran maestro del siglo XIX y la más importante celebrada tanto dentro como fuera de España, donde no ha habido ninguna exposición de estas características e importancia aunque sí otra gran muestra monográfica de carácter antológico que se celebró en 1963 en las salas del Casón del Buen Retiro, organizada entonces por el Ministerio de Educación y Ciencia. La exposición muestra por primera vez más de un centenar de pinturas de Sorolla, el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte española, en un ambicioso recorrido sobre lo mejor de su producción que incluye los catorce paneles de la Visión de España, pintados para la Hispanic Society of America traídos a España en el año 2007, por Bancaja, entidad patrocinadora de la muestra.


Vida: Tras sus primeros años de estudios en la Academia de San Carlos, Sorolla marchó a Italia como pensionado de la Diputación de Valencia. Durante sus años en Italia, entre Roma y la pequeña ciudad de Asís, Sorolla perfeccionó su formación académica. Los estudios de desnudo, así como el conocimiento de los maestros antiguos y modernos que le ofrecía el arte italiano fueron determinantes en su proceso de maduración. Pero la pensión, además, le supuso acercarse a la otra gran capital artística del momento, París. En esa ciudad adquirió el conocimiento del realismo académico que le conduciría a implicarse en la pintura de argumento social.

A su regreso a España se instaló en Madrid, donde concurrió con éxito a las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes. Allí presentaría sus pinturas más reivindicativas en este nuevo género, en pinturas cargadas de sobrecogedora emoción. ¡Aún dicen que el pescado es caro! sintetiza sus esfuerzos más ambiciosos en estos momentos por equilibrar los argumentos de dramatismo contenido con una factura exigente y veraz, atenta a la iluminación, que se perfila ya como su principal preocupación. Estos éxitos públicos determinaron también su primera producción para el coleccionismo privado en lienzos en los que Sorolla refleja una imagen de la vida popular amable y cercana, asomando en ellos paulatinamente sus audaces conquistas plásticas.

Crítica personal: Esta es otras de las grandes citas que había esperado con impaciencia. En este caso el traer tantos cuadros de un maestro, que si bien es Español tiene tanta y tanta obra esparcida por el mundo, tuvo mucha repercusión en los medios y de hecho fue anunciada (y prorrogada) a los cuatros vientos y sin mesura. Cómo casi siempre conseguí las entradas a última hora y gracias a Dios pude finalmente visitar tan ansiada muestra. 


Sorolla impresiona, lo mires por donde lo mires. Por la luz, por lo positivo de sus colores y por sus formatos o temas costumbristas. Es lícito tener tus dudas y es justo reconocer que no fue tan influyente en los artistas venideros como lo fueron otros, pero su éxito internacional fue simplemente abrumador. Y es que Sorolla encandila y genera sentimientos positivos. Vamos, ¡que te marchas de buen humor tras haber visitado la exposición! Me impresiono particularmente el dominio de la luz y ver como el abusar del color blanco en su pintura no quita intensidad a sus obras, si no todo lo contrario. Y al final se te queda la sensación de haber asistido a algo grande (quien sabe si irrepetible)... ¡por eso no te puedes perder estas ocasiones!


Selección: Son 101 las obras que compusieron esta exposición. Aquí os dejo mis favoritas:

Desnudo de una mujer, Joaquín Sorolla, 1902

El baño del caballo, Joaquín Sorolla, 1904

Sevilla, Los Nazarenos, Joaquín Sorolla, 1914

Chicos en la playa, Joaquín Sorolla, 1909

Paseo por la orilla, Joaquín Sorolla, 1909

La bata rosa después del baño, Joaquín Sorolla, 1916

La pesca del atún, Joaquín Sorolla, 1919

Bueno amigos, esto es todo por hoy! Creo que es la exposición más completa comentada por mí, así que espero que os guste! Para la próxima exposición: Francia Bacon!

Turner y los Maestros, Museo del Prado, 2010

Turner y los Maestros, Museo del Prado, Madrid


Hola a todos! Este miércoles voy a hablar un poco sobre una de las exposiciones que tuvo el Museo del Prado recientemente y que esperé con más expectación. Se trata de la exposición que recoge gran parte de la obra del maestro de las marinas y de las acuarelas, William Turner. 



Sinopsis: El Museo del Prado abre al público la gran exposición Turner y los Maestros, procedente de Londres (Tate Britain, del 23 de septiembre de 2009 al 31 de enero de 2010) y París (Grand Palais, del 22 de febrero al 24 de mayo). La exposición pone de manifiesto que el artista británico realizó su obra con perfecta conciencia de la pintura de los maestros antiguos, a los que estudió en profundidad, sin dejar de prestar atención a la aportación de algunos de sus contemporáneos.


La exposición plantea por primera vez un diálogo entre las obras más relevantes del artista, las de los maestros de otras épocas y los de la suya propia. En el Museo del Prado, donde se expondrán un total de 80 obras procedentes de instituciones y colecciones europeas y norteamericanas, se incluirán algunas novedades con respecto a las muestras de Londres y París como Sombra y oscuridad. La víspera del Diluvio, Luz y color. La mañana después del Diluvio y Paz.Entierro en el mar, tres obras maestras que Turner realizó al final de su carrera


Crítica personal: Fui a esta exposición impaciente por ver que más me podía ofrecer este gran pintor que por diversas razones tan influyente es en mi forma de entender el arte. En primer lugar porque quizás es el primer gran genio que utiliza acuarela con asiduidad y para obras importantes (no solamente para bocetos). En segundo lugar es un enamorado de las marinas y de los cielos tormentosos (como creo serlo yo). Por último Turner tuvo una influencia capital en movimientos artísticos posteriores (en especial influyo en la modernización del paisaje del S.XIX) y fue precursor (sobre todo en su última época) del arte abstracto. 


Había tenido la fortuna (nunca mejor dicho, porque acudí de pura casualidad) de asistir a una exposición sobre este pintor que estaba vigente durante Septiembre del 2008 en el Metropolitan Museum de Nueva York. Aquí recuerdo que se cubría casi totalmente la última etapa de Turner, esa donde las formas se pierden y los cuadros transmiten sensaciones (desasosiego, fuerza o luz) propias de las tormentas más feroces. He de decir que aunque la exposición de Madrid no recogía de una manera tan completa los últimos años de Turner, fue una experiencia extremadamente interesante enfrentarme de nuevo a un quasi-monográfico del autor. 


Selección: De entre una exposición tan completa difícil es elegir obras sueltas, pero aquí va mi selección (por supuesto cualquiera que discrepe es libre de compartir su opinión ;))

Luz de Luna, J. M. W. Turner, 1797

Barcos holandeses en un temporal, J. M. W. Turner, 1801

El Estudio del Artista, J. M. W. Turner, 1808

Tormenta de nieve, J. M. W. Turner, 1812

Paz - Sepelio, j. M. W. Turner, 1842

Tormenta de nieve - Vapor frente a la bocana de un puerto, J. M. W. Turner, 1842

En líneas generales, es una de esas citas que si bien no decepciona, te deja un sabor agridulce, y la impresión de que estás sólo a una pieza de entender de manera completa la vida y obra de alguien tan influyente en el arte como lo fue Turner. Aun así volvería a ir, ¡dos veces más si hace falta! ¡Qué grande eres Turner!

El Hermitage en el Prado, 2012

Exposición Hermitage, museo del Prado de Madrid. 
Fechas
8 de noviembre 2011 - 25 de Marzo de 2012



Inauguro la sección de exposiciones del mundo con la que es posiblemente la exposición del año en España. Por primera vez en la historia, de forma difícilmente repetible y como punto culminante del año dual España Rusia 2011, nace la exposición temporal ''El Hermitage en el Prado''.


En esta se muestra a través de ciento veinte obras la gran variedad y riqueza de las colecciones del museo ruso -desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX, pasando por sobresalientes piezas de arqueología, artes decorativas y los mágnificos fondos de pintura, escultura y dibujo- que hacen de él uno de los primeros centros de arte del mundo. La exposición, organizada por el Museo del Prado, Acción Cultural Española (AC/E) y el propio State Hermitage Museum, constituye una ocasión única y extraordinaria al tratarse de la primera vez que se muestra fuera del Hermitage una selección tan importante y numerosa de obras de sus excepcionales colecciones.


De entre esta lista tan ilustre de obras, os planteo mi selección (que se centra en pintura):

Almuerzo, Diego de Velazquez, 1617

San Sebastian,Tiziano Vecellio, 1576

Bebedora de Absenta, Picasso, 1901

Niño con perro, Picasso, 1905

Juego de Bolas, Henri Matisse, 1908

Esta es mi apuesta, pero sé que me dejo muchísimas obras valiosísimas y que han tenido un significado crucial en la historia del arte. Sea como fuere con esta entrada intento animaros a ir si aun no lo habéis hecho (yo el primero que estoy buscando fecha) y si habéis estado quizás tengáis vuestra propia lista que queráis compartir ;)

Búsqueda Interior

Vivimos tiempos acelerados de confusión y sobreexposición al mundo que nos rodea. Son muchos los estudios que demuestran que cualquier sujeto esta expuesto diariamente a miles y miles de impactos externos que pretenden hacer cambiar su conducta, o calar en su mente de forma más o menos permanente.

Pero no debemos olvidar que estar expuesto a algo, no significa que vaya a calar en nosotros ni que vaya a enseñarnos una manera diferente de hacer las cosas (ya sea adquirir un nuevo hábito, comprar algo determinado o pensar en una dirección determinada). Y en relación con esto Galileo da una lección de cual es la clave para influir de manera verdadera en los demás:

´´Usted no puede enseñarle nada a una persona; tan sólo puede ayudarle a encontrar eso en su interior'' 

                                                                    Galileo Galilei